La notizia della morte di Yayoi Kusama è arrivata in modo lento e calibrato: l’artista è spirata il 14 agosto in un ospedale di Tokyo, ma la conferma ufficiale è stata diffusa solo il 27 dalla sua fondazione e dal museo a lei intitolato. In quelle due settimane di silenzio si è consumata l’immagine che più le apparteneva: una sparizione gestita, meditata, e la dichiarazione che aveva continuato a dipingere fino agli ultimi giorni.
Annuncio ritardato e ultimo tratto: la fine di una presenza pubblica
Il ritardo nell’annuncio ha avuto il sapore di un controllo dell’immagine. Per settimane il mondo dell’arte ha ricordato la regina dei pois con brevi elenchi: parrucca rossa, zucche, record d’asta. Nulla di sbagliato, ma insufficiente. Kusama aveva costruito una carriera in cui l’opera e la biografia si sovrapponevano.
Ha dipinto fino alla fine, recitava il comunicato. Quel dettaglio sottolinea la continuità del suo lavoro: non si tratta di un artista che si è interrotto per diventare icona.
Da Matsumoto a New York: l’esodo creativo
Nata nel 1929 in una famiglia di coltivatori, Kusama ha trasformato l’infanzia tra vivai e semi nella grammatica delle sue forme. Nel 1957 lasciò il Giappone per l’America.
Il trasferimento fu una fuga da una società percepita come soffocante. Gli anni a New York furono segnati dalla povertà e da incontri decisivi. Georgia O’Keeffe le offrì un raro sostegno materiale e umano.
Artisti e critici: un’accoglienza a metà
- Stima da figure come Donald Judd, Eva Hesse e Joseph Cornell.
- Etichette nuove: soft sculpture e installazione.
- Riconoscimenti pratici spesso assenti: la fama critica non coincideva con il benessere economico.
Infanzia, ossessioni e metodo creativo
La narrazione pubblica ha enfatizzato le allucinazioni e la sofferenza psichica. Kusama stessa ha raccontato visioni infantili di fiori che parlavano. Ma ridurre la sua arte a una questione clinica sarebbe ingiusto.
La sua pratica nasce dall’idea che si possa alleggerire la realtà smontandola in unità ripetute. Accumulare e frantumare furono gesti complementari della sua formazione estetica.
Corpo, sessualità e oggetti imbottiti
Gli anni newyorkesi videro la nascita delle opere che più hanno scandito il suo immaginario.
- Infinity Nets: tele bianche punteggiate da migliaia di segni minuziosi.
- Accumulation: mobili rivestiti di protuberanze di stoffa, spesso a richiamo fallico.
- Happening e performance con corpi dipinti, e la celebre Church of Self-Obliteration.
Per Kusama il sesso fu al contempo paura e tema creativo. La produzione in serie di falli cuciti era una forma di esorcismo: renderli innocui attraverso la ripetizione.
Moda e corpo indossato: quando l’opera diventa abito
Nel 1968 fondò la propria azienda di moda. Ottenne spazi da Bloomingdale’s e aprì una boutique sulla Sixth Avenue. I suoi vestiti non erano solo merchandising.
Disegnò abiti pensati per trasformare il corpo in superficie dell’opera, come l’Orgy Dress pensato per essere condiviso. Cinquant’anni prima delle collaborazioni tra arte e moda, Kusama aveva già intuito il potenziale rivoluzionario del vestiario.
Specchi, stanze immersive e il pubblico come materiale
Nel 1965 inventò la prima Infinity Mirror Room, Phalli’s Field, una stanza di specchi con protuberanze sul pavimento. È uno dei primi ambienti immersivi.
Con Kusama’s Peep Show rovesciò il dispositivo: lo spettatore vedeva all’infinito il proprio volto. Sessant’anni prima dei selfie espositivi, l’opera sanciva il pubblico come soggetto.
Narcissus Garden, alla Biennale di Venezia del 1966, sintetizza la sua strategia: migliaia di sfere specchianti disposte sui Giardini, vendute ai passanti. Fu fermata, ma l’opera rimane paradigmativa: mostrava la macchina del mercato pronta a inglobare l’arte.
Omissioni e appropriazioni: la sottrazione del primato
La storia registra somiglianze e sovrapposizioni tra la sua ricerca e lavori altrui. Stanze specchiate, pattern ripetuti e sculture morbide sono stati riciclati da altri con maggiore visibilità.
Essere donna, giapponese e in difficoltà economica rese più facile per la stampa bollare le sue strategie come esibizionismo, mentre i colleghi maschi venivano celebrati.
Ritorno in Giappone, stabilità condivisa tra clinica e studio
Tornata in Giappone nel 1973, negli anni Settanta scelte personali la portarono a vivere stabilmente nell’ospedale psichiatrico Seiwa dal 1977. Lì dormiva, ma lavorava fuori nello studio a pochi minuti.
Questa disciplina le permise di produrre ininterrottamente per decenni. Scrisse romanzi e mantenne un dialogo costante con colore e ripetizione.
Il museo personale e il controllo dell’eredità
Nel 2017 inaugurò il Yayoi Kusama Museum a Shinjuku. Cinque piani bianchi a pochi passi dalla clinica e dallo studio. Una scelta radicale: un’artista che costruisce l’istituzione che la custodirà.
Visite programmate e fasce orarie creano un’esperienza diversa rispetto alle code planetarie delle sue Infinity Rooms.
Popolarità globale e trasformazione in brand
La fama contemporanea è esplosa con retrospettive e tournée dell’installazione Infinity Mirrors dal 2017. Code, foto e accessi limitati hanno trasformato l’opera in fenomeno di massa.
Collaborazioni con la moda hanno amplificato il fenomeno. Alcuni esempi:
- 2012: collaborazione di rilievo con Marc Jacobs per Louis Vuitton.
- 2023: la linea Creating Infinity e centinaia di prodotti a tema.
- Installazioni, esposizioni gonfiabili e campagne che hanno trasformato la sua estetica in un linguaggio commerciale.
La ripetizione meccanica del motivo più riconoscibile della sua poetica ha generato contraddizioni. Un braccio robotico che imita il gesto del puntino davanti a borse costose racconta molto su cosa diventa un’artista quando si fa brand.
La parola chiave: obliterazione
La parola che attraversa la sua opera è obliteration. Con i pois lei raccontava la dissoluzione dei confini tra oggetto e soggetto. L’autoannullamento non è annichilimento ma fusione: diventare tutt’uno con l’ambiente.
Negli anni Sessanta quell’idea si fece politica: proteste contro la guerra, performance e dichiarazioni che sfidavano i simboli nazionali. Scrisse persino una lettera a Nixon, offrendo di coprirgli il corpo di puntini in cambio della fine del Vietnam.
Tra stoffa e luce: la scala che non porta da nessuna parte
Opere meno citate chiariscono il senso profondo della sua ricerca. Ladder to Heaven (2000) è una scala in acciaio avvolta da fibre ottiche, sospesa tra due specchi. Il riflesso prolunga la scala all’infinito: non ha primo né ultimo piolo.
È il contrario delle stanze fotografabili: un’opera che insiste sulla dissoluzione più che sull’immagine. Trent’anni prima una scala reale coperta di protuberanze di stoffa, Travelling Life, segnalava la stessa transizione dalla carne alla luce.
Mostre postume e letture nuove
Una retrospettiva iniziata alla Fondation Beyeler ha previsto l’inaugurazione allo Stedelijk di Amsterdam l’11 settembre. Sarà una delle prime grandi letture postume della sua opera.
La cifra dell’artista rimane unica: ha trasformato il pubblico in materiale, l’ambiente in campo di esperienza e il corpo in supporto politico. La sua carriera è stata una lunga dimostrazione pratica di ciò che l’arte può fare con la ripetizione e la luce.
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Davide Caruso è un appassionato di cultura e tendenze artistiche. Nei suoi articoli esplora le connessioni tra moda, arte e società, offrendo ai lettori una visione moderna e dinamica della cultura italiana e mondiale. La sua scrittura precisa e ispirata rende ogni tema accessibile a tutti.
